Būt slavenam māksliniekam savas dzīves laikā nav garantija, ka citi mākslinieki jūs atcerēsies. Vai esat dzirdējuši par franču gleznotāju Ernestu Meisoni?
Viņš bija laikabiedrs ar Edouard Manet un daudz veiksmīgāko mākslinieku kritisko atzinību un pārdošanas jomā. Arī pretēji ir Vincents van Gogs. Van Gogs paļāvās uz savu brāli Teo, lai nodrošinātu viņu ar krāsu un audeklu, tomēr šodien viņa gleznas saņem rekordlielu cenu ikreiz, kad tās nonāk mākslas izsolē, un viņš ir ģimenes vārds.
Apskatot slavenās pagātnes un tagadnes gleznas, jūs varat iemācīt daudzas lietas, tostarp kompozīciju un krāsu apstrādi. Lai gan, iespējams, vissvarīgākā mācība ir tāda, ka galu galā jums vajadzētu gleznot sev, nevis tirgum vai pēcnācējiem.
"Nakts sardze" - Rembrants
Autora glezna "Nakts sardze" Rembrants atrodas Valsts muzejs Amsterdamā. Kā redzams fotoattēlā, tā ir milzīga glezna: 363x437cm (143x172 ").
Rembrants pabeidza to 1642. gadā. Tās patiesais nosaukums ir "Frans Banning Cocq un Willem van Ruytenburch kompānija", bet tas ir labāk pazīstams tāpat kā Nakts sardze. (Uzņēmums ir milicijas sargs).Gleznas sastāvs attiecīgajam periodam bija ļoti atšķirīgs. Tā vietā, lai figūras parādītu kārtīgā un sakārtotā veidā, kur visiem tika piešķirta vienāda nozīme un vieta uz audekla, Rembrants tās gleznoja kā aizņemtu grupu darbībā.
Ap 1715. gadu uz naktssardzes tika uzgleznots vairogs, kurā bija 18 cilvēku vārdi, taču tikai daži no nosaukumiem kādreiz bija identificēti. (Tāpēc atcerieties, ja gleznojat grupas portretu: uzzīmējiet diagrammu aizmugurē, lai pievienotu visu nākotnes vārdus zinās paaudzes!) 2009. gada martā holandiešu vēsturnieks Bas Dudoks van Heels beidzot atklāja noslēpumu, kas ir kurš glezna. Viņa pētījumos pat tika atrasti apģērbu un aksesuāru priekšmeti, kas attēloti "Nakts sardzē", kas minēti ģimenes īpašumus, kurus viņš pēc tam sakopoja ar dažādu milicistu vecumu 1642. gadā, gadā, kad glezna bija pabeigta.
Dudoks van Heels arī atklāja, ka zālē, kur pirmo reizi tika pakārts Rembranta "Naktssargs", bija sešas grupas milicijas portreti, kas sākotnēji tika parādīti nepārtrauktā sērijā, nevis sešas atsevišķas gleznas, kā tas jau sen bija nodomāju. Drīzāk Rembranta, Pikinkaja, Beikera, Van der Helsta, Van Sandrarta un Flinkka seši grupas portreti veidoja nepārtrauktu frīzi, kas katra sakrita un piestiprināta istabas koka apšuvumā. Vai arī tāds bija nodoms. Rembranta "Naktssardze" neder ne pārējām gleznām ne kompozīcijā, ne krāsās. Šķiet, ka Rembrants neievēroja savas komisijas nosacījumus. Bet tad, ja viņš būtu, mums nekad nebūtu bijis šī pārsteidzoši atšķirīgā 17. gadsimta grupas portreta.
"Zaķis" - Albrehts Dīrers
Parasti šīs gleznas oficiālais nosaukums tiek saukts par Dīrera trušu, un to sauc par zaķi. Glezna atrodas pastāvīgā kolekcijā Batliner kolekcija no Albertiņas muzejs Vīnē, Austrijā.
Tas tika krāsots, izmantojot akvareļu un guašu, un baltie izcēlumi tika veikti guašā (nevis papīra nekrāsoti balti).
Tas ir iespaidīgs piemērs tam, kā kažokādu var krāsot. Lai to atdarinātu, pieeja, kuru jūs izvēlaties, ir atkarīga no tā, cik pacietīga esat. Ja jums ir plankumi, jūs krāsojat, izmantojot plānu otu, pa vienam matam. Pretējā gadījumā izmantojiet sausas otas tehniku vai sadaliet matus uz otas. Būtiska ir pacietība un izturība. Pārāk ātri apstrādājiet mitru krāsu, un atsevišķie triecieni var sajaukt. Neturpiniet pietiekami ilgi, un kažokāda šķitīs plika.
Siksta kapelu griestu fresku - Mikelandželo
Mikelandželo glezna no Siksta kapelas griestiem ir viena no slavenākajām freskām pasaulē.
Siksta kapela ir liela kapela Apustuliskajā pilī, pāvesta (katoļu baznīcas vadītāja) oficiālajā rezidencē Vatikānā. Tajā ir daudz fresku, ko gleznojuši daži no renesanses laikmeta lielākajiem nosaukumiem, tostarp Bernini un Rafaela sienas freskas, tomēr tā ir visslavenākā ar Mikelandželo freskām pie griestiem.
Mikelandželo dzimis 1475. gada 6. martā un miris 1564. gada 18. februārī. Pēc pāvesta Jūlija II pasūtījuma Mikelandželo strādājaSiksta kapelas griestiem no 1508. gada maija līdz 1512. gada oktobrim (laika posmā no 1510. gada septembra līdz 1511. gada augustam darbi netika veikti). Kapela tika atklāta 1512. gada 1. novembrī, Visu svēto svētkos.
Kapela ir 40,23 metrus gara, 13,40 metrus plata, un griesti 20,70 metrus virs zemes augstākajā punktā1. Mikelandželo gleznoja virkni Bībeles ainu, praviešu un Kristus senču, kā arī trompe l'oeil vai arhitektūras iezīmes. Galvenajā griestu zonā attēloti stāsti no 1. Mozus grāmatas stāstiem, tostarp par cilvēces radīšanu, cilvēka krišanu no žēlastības, plūdiem un Noas.
Siksta kapelas griesti: detaļa
Paneļa, kas parāda cilvēka radīšanu, iespējams, ir vispazīstamākā aina slavenajā Mikelandželo freskā pie Siksta kapelas griestiem.
Siksta kapelā Vatikānā ir gleznotas daudzas freskas, tomēr tā ir visslavenākā ar Mikelandželo freskām pie griestiem. Laika posmā no 1980. līdz 1994. gadam Vatikāna mākslas eksperti veica plašu restaurāciju, svecēm un iepriekšējiem restaurācijas darbiem novēršot gadsimtiem ilgus dūmus. Tas atklāja krāsas daudz spilgtāk, nekā tika domāts iepriekš.
Pigmentos Mikelandželo izmantoja okeru sarkanajiem un dzeltenajiem, dzelzs silikātus zaļumiem, lapis lazuli zilajiem un kokogles melnajiem.1 Ne viss ir nokrāsots tik detalizēti, kā tas vispirms parādās. Piemēram, priekšplāna figūras ir krāsotas detalizētāk nekā fonā redzamās, papildinot griestu dziļuma izjūtu.
Vairāk par Siksta kapelu:
• Vatikāna muzeji: Siksta kapela
• Virtuālā ekskursija pa Siksta kapelu
Avoti:
1 Vatikāna muzeji: Siksta kapela, Vatikāna pilsētas valsts tīmekļa vietne, skatīta 2010. gada 9. septembrī.
Leonardo da Vinči piezīmju grāmatiņa
Renesanses mākslinieks Leonardo da Vinči ir slavens ne tikai ar savām gleznām, bet arī ar burtnīcām. Šajā fotoattēlā redzams viens V&A muzejā Londonā.
Londonas V&A muzeja kolekcijā ir piecas Leonardo da Vinči piezīmju grāmatiņas. Šo, kas pazīstams kā Codex Forster III, Leonardo da Vinči izmantoja laikā no 1490. līdz 1493. gadam, kad viņš strādāja Milānā pie hercoga Ludoviko Sforzas.
Tā ir maza piezīmju grāmatiņa, tāda izmēra, kādu jūs viegli varētu turēt mēteļa kabatā. Tas ir piepildīts ar visdažādākajām idejām, piezīmēm un skicēm, ieskaitot "zirga kāju skices, cepures un drēbes, kas, iespējams, ir bijušas idejas tērpiem ballēs, un cilvēka anatomijas izklāsts galva. "1 Kaut arī muzejā nevar pāršķirstīt piezīmju grāmatiņas lapas, to var pārlūkot tiešsaistē.
Lasīt viņa rokrakstu nav viegli, starp kaligrāfisko stilu un spoguļa rakstīšanu (atpakaļ, no labās uz kreiso), bet dažiem ir aizraujoši redzēt, kā viņš visu veidu saliek vienā piezīmju grāmatiņa. Tā ir darba burtnīca, nevis ekspozīcija. Ja jūs kādreiz uztraucaties, ka jūsu radošuma žurnāls nebija kaut kā pareizi izdarīts vai organizēts, uzņemieties vadību no šī meistara: dariet to, kā jums nepieciešams.
Avots:
1. Izpētiet Forster Codices, V&A muzeju. (Skatīts 2010. gada 8. augustā.)
"The Mona Lisa" - Leonardo da Vinči
Leonardo da Vinči"Monas Lizas" glezna Parīzes Luvrā ir neapšaubāmi slavenākā glezna pasaulē. Tas, iespējams, ir arī vispazīstamākais piemērs sfumato, glezniecības tehnika, kas daļēji ir atbildīga par viņas mīklaino smaidu.
Ir bijis daudz spekulāciju par to, kas bija sieviete gleznā. Tiek uzskatīts, ka tas ir Lizas Džerardīni, Florences audumu tirgotāja sievas Frančesko del Džokondo sievas portrets. (Viens no pirmajiem to ieteica 16. gadsimta mākslas rakstnieks Vasari savā "Mākslinieku dzīvēs"). Ir arī ierosināts, ka viņas smaida iemesls bija tā, ka viņa bija stāvoklī.
Mākslas vēsturnieki zina Leonardo bija aizsācis "Mona Lizu" līdz 1503. gadam, jo tajā gadā to ierakstīja Florences vecākā amatpersona Agostino Vespuči. Kad viņš pabeidza, tas nav tik droši. Luvra sākotnēji datēja gleznu ar 1503-06, taču 2012. gadā veiktie atklājumi liecina, ka tā varētu būt tikpat liela kā desmit gadus vēlāk, pirms tas tika pabeigts, pamatojoties uz fona pamatu uz akmeņu zīmējumu, par kuru viņš, kā zināms, ir izdarījis 1510-15.1 Luvra 2012. gada martā mainīja datumus uz 1503-19.
Avots:
1. Mona Liza varēja būt pabeigta desmit gadus vēlāk, nekā domāja Martina Beilija 2012. gada 7. marta Mākslas avīzē (skatīts 2012. gada 10. martā)
Slaveni gleznotāji: Monē pie Givernijas
Atsauces fotoattēli gleznošanai: Monē "Dārzs pie Giverny".
Daļa no iemesla, kādēļ impresionistu gleznotājs Klods Monē ir tik slavens, ir viņa gleznas par atspulgu liliju dīķos, ko viņš izveidoja savā lielajā dārzā Givernijā. Tas iedvesmoja daudzus gadus, līdz pat viņa dzīves beigām. Viņš ieskicēja idejas gleznām, kuras iedvesmoja dīķi, un veidoja mazas un lielas gleznas gan kā atsevišķus darbus, gan sērijas.
Kloda Monē paraksts
Šis piemērs tam, kā Monē parakstīja savas gleznas, ir no vienas no viņa ūdensrozes gleznām. Var redzēt, ka viņš to parakstījis ar vārdu un uzvārdu (Klods Monē) un gadu (1904). Tas atrodas labajā apakšējā stūrī, pietiekami tālu, lai rāmis to nenogrieztu.
Monē pilns vārds bija Klods Oskars Monē.
"Iespaidu saullēkts" - Monē
Šī Monē glezna deva nosaukumu impresionistu stils mākslas. Viņš to izstādīja 1874. gadā Parīzē, kas kļuva pazīstams kā pirmā impresionistu izstāde.
Pārskatā par izstādi, kuru viņš nosauca par "Impresionistu izstādi", mākslas kritiķis Luijs Leroijs sacīja:
"Tapetes embrija stāvoklī ir vairāk pabeigtas nekā šī jūras ainava."
Avots:
1. Luija Leroija "L'Exposition des Impressionnistes", Le Šarivari, 1874. gada 25. aprīlis, Parīze. Tulkojis Džons Rēvalds Impresionisma vēsture, Moma, 1946., 256.-61. citēts Salonā biennālei: Izstādes, kas mākslas vēsturi veidoja Brūss Altshulers, Phaidon, 42.-43. lpp.
Sērija "Siena kaudzes" - Monē
Monē bieži gleznoja viena un tā paša objekta sēriju, lai uztvertu gaismas mainīgos efektus, mainoties audekliem dienas gaitā.
Monē atkal un atkal gleznoja daudz priekšmetu, taču katra viņa sērijas glezna ir atšķirīga, neatkarīgi no tā, vai tā ir ūdensrozes vai siena kaudze. Tā kā Monē gleznas ir izkaisītas kolekcijās visā pasaulē, viņa sērijveida gleznas parasti tiek uzskatītas par grupu tikai īpašās izstādēs. Par laimi, Mākslas institūts Čikāgā kolekcijā ir vairākas Monē siena kaudzes gleznas, jo tās padara iespaidīgas skatīšanās kopā:
- Kviešu kaudze
- Atkusnis, saulriets
- Saulriets, Sniega efekts
- Sniega efekts, apmākusies diena
- Vasaras beigas
1890. gada oktobrī Monē uzrakstīja vēstuli mākslas kritiķim Gustavam Gefroijam par viņa gleznoto siena kaudzīšu sēriju, sakot:
"Es to grūti izturos, spītīgi strādājot pie dažādu efektu sērijas, taču šajā gada laikā saule noriet tik ātri, ka nav iespējams to sekot līdzi... jo tālāk es tikšu, jo vairāk es redzu, ka ir jāpaveic daudz darba, lai padarītu to, ko meklēju: “tūlītība”, “aploksne”, galvenokārt, tā pati gaisma izplatījās visā... Mani aizvien vairāk apsēsta nepieciešamība atveidot to, ko piedzīvoju, un es lūdzu, lai man būtu palikuši vēl daži labi gadi, jo es domāju, ka es varētu gūt zināmu progresu šajā virzienā... " 1
Avots:
1. Monē pats, 172. lpp., rediģējis Ričards Kendals, MacDonald & Co, Londona, 1989.
"Ūdenslilijas" - Klods Monē
Klods Monē, "Ūdenslilijas", c. 19140-17, eļļa uz audekla. Izmērs 65 3/8 x 56 collas (166,1 x 142,2 cm). Kolekcijā Sanfrancisko tēlotājmākslas muzeji.
Monē, iespējams, ir visslavenākais no impresionistiem, īpaši ar gleznām, kas atspoguļo pārdomas liliju dīķī pie viņa Givernijas dārza. Šajā konkrētajā gleznā augšējā labajā stūrī ir redzams neliels mākoņu daudzums un debess plankumains zils, kas atspoguļojas ūdenī.
Ja izpētīsit Monē dārza fotoattēlus, piemēram, šo Monē liliju dīķi un šo liliju ziedu, un salīdzināsiet tos ar šo gleznu, jūs sajust, kā Monē samazināja mākslas detaļas, ieskaitot tikai ainas būtību vai atstarojuma, ūdens un lilijas iespaidu zieds. Noklikšķiniet uz saites "Skatīt pilna izmēra" zem fotoattēla, lai iegūtu lielāku versiju, kurā ir vieglāk sajust Monē suku.
Franču dzejnieks Pols Klodels sacīja:
"Pateicoties ūdenim, [Monē] ir kļuvis par gleznotāju tam, ko mēs nevaram redzēt. Viņš uzrunā to neredzamo garīgo virsmu, kas atdala gaismu no pārdomām. Gaisīgs debeszils šķidrā debeszila gūstā... Krāsa no ūdens apakšas paceļas mākoņos, virpuļos. "
Avots:
262. lpp. Mūsu gadsimta māksla, autori Žans Luijs Ferjers un Jans Le Pišons
Camille Pissarro paraksts
Gleznotājs Kamils Pisarro mēdz būt mazāk pazīstams nekā daudzi viņa laikabiedri (piemēram, Monē), taču mākslas laika grafikā tam ir unikāla vieta. Viņš strādāja gan kā impresionists, gan neoimpresionists, kā arī ietekmēja tādus tagad pazīstamus māksliniekus kā Sezana, Van Gogs un Gogēns. Viņš bija vienīgais mākslinieks, kurš izstādīja visas astoņas izstādes Impresionistu izstādes Parīzē no 1874. līdz 1886. gadam.
Van Goga pašportrets (1886/1887)
Šis portrets pēc Vinsents van Gogs ir Čikāgas Mākslas institūta kolekcijā. Tas tika krāsots, izmantojot stilu, kas līdzīgs pointillismam, taču stingri nepieturas tikai pie punktiem.
Divu gadu laikā, kad viņš dzīvoja Parīzē, no 1886. līdz 1888. gadam, Van Gogs gleznoja 24 pašportretus. Čikāgas Mākslas institūts šo raksturoja kā Seurat "punktu tehnikas" izmantošanu nevis kā zinātnisku metodi, bet gan "intensīvu" emocionālā valoda "kurā" sarkanie un zaļie punkti ir satraucoši un pilnīgi atbilst nervu spriedzei, kas redzama van Goga skatiens. "
Dažus gadus vēlāk vēstulē māsai Vilhelminai Van Gogs rakstīja:
"Es pēdējā laikā uzgleznoju divas sevis bildes, no kurām viena manuprāt ir drīzāk lai gan Holandē viņi, iespējams, izsmietu idejas par portretu glezniecību, kas dīgst šeit... Es vienmēr domāju, ka fotogrāfijas ir riebīgas, un man nepatīk, ka tās ir apkārt, it īpaši ne tām personām, kuras pazīstu un mīlu... fotogrāfiskie portreti nokalst daudz ātrāk nekā mēs paši, turpretī gleznotais portrets ir lieta, kas jūtama, darīta ar mīlestību vai cieņu pret portretēto cilvēku. "
Avots:
Vēstule Vilhelmīnai van Gogai, 1889. gada 19. septembris
Vinsenta van Goga paraksts
Nakts kafejnīca autors Van Gogs tagad atrodas Jēlas universitātes mākslas galerijas kolekcijā. Ir zināms, ka Van Gogs parakstīja tikai tās gleznas, ar kurām viņš bija īpaši apmierināts, taču šīs gleznas gadījumā neparasts ir tas, ka viņš zem sava paraksta pievienoja nosaukumu "Le café de Nuit".
Ievērojiet, ka Van Gogs parakstīja savas gleznas vienkārši ar "Vincentu", nevis "Vincentu van Gogu" vai "Van Gogu".
Vēstulē brālim Teo, kas rakstīts 1888. gada 24. martā, viņš teica:
"Nākotnē mans vārds būtu jāievieto katalogā, kad es to parakstīju uz audekla, proti, Vinsents un nevis Van Gogs vienkārša iemesla dēļ, ka viņi nezina, kā šeit izrunāt pēdējo vārdu."
"Šeit" ir Arles, Francijas dienvidos.
Ja esat domājis, kā izrunājat Van Gogu, atcerieties, ka tas ir holandiešu uzvārds, nevis franču vai angļu. Tātad "Gogh" tiek izrunāts, tāpēc tas rhims ar skotu "loch". Tas nav "goff" un "go".
Zvaigžņotā nakts - Vinsents van Gogs
Šī glezna, kas, iespējams, ir slavenākā Vincenta van Goga glezna, ir kolekcijā Modernās mākslas muzejs Ņujorkā.
Van Gogs gleznoja Zvaigžņotā nakts 1889. gada jūnijā, pieminot rīta zvaigzni vēstulē brālim Teo, kas rakstīts ap 1889. gada 2. jūniju: "Šorīt es redzēju valsti no mana loga ilgi pirms saullēkta, tur nebija nekas cits kā rīta zvaigzne, kas izskatījās ļoti liela. "Rīta zvaigzne (faktiski planēta Venēra, nevis zvaigzne) parasti tiek uzskatīta par lielo balto, kas nokrāsota tieši pa kreisi no gleznas centra.
Iepriekšējās Van Goga vēstulēs ir pieminētas arī zvaigznes un nakts debesis un vēlme tās gleznot:
1. "Kad man kādreiz būs jādarbojas ar zvaigžņotām debesīm, šo attēlu, kas vienmēr ir manā prātā?" (Vēstule Emīlam Bernardam, 1888. gada 18. jūnijs)
2. "Kas attiecas uz zvaigžņotajām debesīm, es turpinu ļoti cerēt tās nokrāsot, un, iespējams, kādu no šīm dienām arī izdarīšu" (Vēstule Teo van Gogam, aptuveni 1888. gada 26. septembrī).
3. "Pašlaik es ļoti gribu gleznot zvaigžņotas debesis. Man bieži šķiet, ka nakts joprojām ir daudz bagātīgāka nekā diena; kam ir visintensīvākās vijolītes, zilās un zaļās nokrāsas. Ja tikai jūs tam pievērsīsit uzmanību, jūs redzēsiet, ka dažas zvaigznes ir citronu dzeltenas, citas rozā vai zaļas, zilas un neaizmirstiet par spožumu... ir acīmredzams, ka ar mazu baltu punktu uzlikšanu zili melnā krāsā nepietiek, lai uzzīmētu zvaigžņotas debesis. "(Vēstule Vilhelminai van Gogai, 1888. gada 16. septembris)
Sirene restorāns Asnieresā - Vinsents van Gogs
Šī Vincenta van Goga glezna atrodas Ašhmolean muzeja kolekcijā Oksfordā, Lielbritānijā. Van Gogs to apgleznoja drīz pēc tam, kad viņš 1887. gadā ieradās Parīzē, lai dzīvotu kopā ar brāli Teo Monmartrā, kur Teo vadīja mākslas galeriju.
Pirmo reizi Vincents tika pakļauts impresionistu (īpaši Monē) gleznām un satika tādus māksliniekus kā Gogēns, Tulūza-Lotreka, Emīls Bernārs un Pissarro. Salīdzinot ar viņa iepriekšējo darbu, kurā dominēja tumši zemes toņi, kas raksturīgi Ziemeļeiropas gleznotājiem, piemēram, Rembrantam, šī glezna parāda šo mākslinieku ietekmi uz viņu.
Krāsas, kuras viņš izmantoja, ir kļuvušas gaišākas un gaišākas, un otas darbs ir kļuvis brīvāks un redzamāks. Apskatiet šīs detaļas no gleznas, un jūs redzēsiet, kā viņš ir izmantojis mazus tīras krāsas triecienus, kas izdalīti atsevišķi. Viņš nesajauc krāsas uz audekla, bet ļauj tam notikt skatītāja acīs. Viņš izmēģina salauzta krāsa impresionistu pieeja.
Salīdzinot ar viņa vēlākajām gleznām, krāsu joslas ir izvietotas viena no otras, un starp tām ir redzams neitrāls fons. Viņš vēl neaptver visu audeklu ar piesātinātu krāsu, kā arī neizmanto iespējas izmantot otas, lai izveidotu faktūru pašā krāsā.
Sirene restorāns Asnieresā, Vincents van Gogs (Sīkāka informācija)
Šīs detaļas no Van Goga gleznas Restorāns de la Sirene Asnieresā (Ašholijas muzeja kolekcijā) parāda, kā viņš pēc ekspozīcijas ar impresionistu un citu mūsdienu parīziešu gleznām eksperimentēja ar viņa otu un otām mākslinieki.
"Četri dejotāji" - Edgars Degas
Edgars Degas, Četri dejotāji, c. 1899. Eļļa uz audekla. Izmērs 59 1/2 x 71 collas (151,1 x 180,2 cm). Iekš Nacionālā mākslas galerija, Vašingtona.
"Mākslinieka mātes portrets" - Vistlers
Iespējams, ka šī ir Vistlera slavenākā glezna. Tās pilns nosaukums ir "Aranžējums pelēkā un melnā krāsā Nr. 1, mākslinieka mātes portrets". Viņa māte piekrita pozēt gleznai, kad modele Vistlers bija saslimis. Sākotnēji viņš lūdza viņu pozēt stāvus, bet, kā redzat, viņš padevās un ļāva viņai apsēsties.
Uz sienas ir Vistlera oforts "Melnā lauvu piestātne". Ja paskatās ļoti uzmanīgi uz aizkaru augšējā kreisajā stūrī no oforta rāmja redzēsiet gaišāku plankumu, tas ir tauriņa simbols, ko Vistlers izmantoja, lai parakstītu savas gleznas. Simbols ne vienmēr bija vienāds, bet tas mainījās, un tā forma tiek izmantota viņa mākslas darbu datēšanai. Ir zināms, ka viņš to sāka lietot līdz 1869. gadam.
"Cerība II" - Gustavs Klimts
"Ikvienam, kurš vēlas kaut ko uzzināt par mani - kā mākslinieku, vienīgo ievērojamo -, vajadzētu uzmanīgi aplūkot manas bildes un mēģināt tajās saskatīt, kas es esmu un ko es vēlos darīt." Klimts.
Gustavs Klimts gleznoja Cerība II uz audekla 1907./8. gadā, izmantojot eļļas krāsas, zeltu un platīnu. Tās izmērs ir 43,5x43,5 "(110,5 x 110,5 cm). Glezna ir daļa no kolekcijas Modernās mākslas muzejs Ņujorkā.
Cerība II ir skaists piemērs Klimta zelta lapu izmantošana gleznās un viņa bagātīgais ornamentālais stils. Paskaties, kā viņš krāsojis apģērbu, kuru valkāja galvenā figūra, kā tā ir abstrakta forma, kas rotāta ar apļiem, tomēr mēs to joprojām “lasām” kā apmetni vai kleitu. Kā apakšā tas saplūst trīs pārējās sejās.
Mākslas kritiķis Frenks Vitfords savā ilustrētajā Klimta biogrāfijā sacīja:
Klimts "uzklāja īstu zelta un sudraba lapu, lai vēl vairāk palielinātu iespaidu, ka glezna ir dārgs priekšmets, nevis attālināti spogulis, kurā var ieskatīties daba, bet gan rūpīgi izstrādāts artefakts. " 2
Tā ir simbolika, kas mūsdienās joprojām tiek uzskatīta par derīgu, ņemot vērā, ka zelts joprojām tiek uzskatīts par vērtīgu preci.
Klimts dzīvoja Vīnē Austrijā un iedvesmu vairāk smēlās no austrumiem nekā no rietumiem, no "tādiem avotiem kā Bizantijas māksla, mikēnu metālapstrāde, persiešu paklāji un miniatūras, Ravennas baznīcu mozaīkas un japāņu ekrāni. " 3
Avots:
1. Mākslinieki kontekstā: Gustavs Klimts autors Frenks Vitfords (Collins & Brown, Londona, 1993), aizmugurējais vāks.
2. Turpat. 82. lpp.
3. MoMA izceļ (Modernās mākslas muzejs, Ņujorka, 2004), lpp. 54
Pikaso paraksts
Tas ir paraksts Pikaso uz savas 1903. gada gleznas (no Zilā perioda) ar nosaukumu "Absinta dzērājs".
Pikaso eksperimentēja ar dažādām saīsinātām sava vārda versijām kā gleznas parakstu, ieskaitot noapaļoja iniciāļus, pirms iestatīja "Pablo Pikaso". Šodien mēs parasti dzirdam viņu saucam vienkārši - Pikaso.
Viņa pilns vārds bija: Pablo, Digo, Hosē, Fransisko de Paula, Huans Nepomuceno, Marija de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidāda, Ruiss Pikaso1.
Avots:
1. Natasha Staller "Iznīcinājumu summa: Pikaso kultūras un kubisma radīšana". Jeilas universitātes prese. 209. lpp.
"Absinta dzērājs" - Pikaso
Šo gleznu radīja Pikaso 1903. gadā, zilajā periodā (laikā, kad Pikaso gleznās dominēja zilie toņi; kad viņš bija divdesmitgadīgs). Tajā piedalās mākslinieks Anhels Fernandess de Soto, kurš vairāk priecājās par ballēm un dzeršanu nekā viņa glezna1un kurš divas reizes dalījās studijā ar Pikaso Barselonā.
Gleznu 2010. gada jūnijā nodeva izsolē Endrjū Loida Vēbera fonds pēc tam, kad ASV bija panākta ārpustiesas vienošanās par īpašumtiesībām, pēc vācu-ebreju baņķiera Pola fon Mendelszona-Bartoldija pēcnācēju apgalvojuma, ka nacistu režīma laikā 1930. gados glezna bijusi spiesta. Vācija.
Avots:
1. Christie's izsoļu nams preses relīze, "Christie's Piedāvā Pikaso šedevru", 2010. gada 17. marts.
"Traģēdija" - Pikaso
Pablo Pikaso, Traģēdija, 1903. gads. Eļļa uz koka. 41. izmērs 7,5 x 7 x 3 3/16 collas (105,3 x 69 cm). Iekš Nacionālā mākslas galerija, Vašingtona.
Tas ir no viņa Zilā perioda, kad viņa gleznās, kā norāda nosaukums, visās dominēja blūzs.
Pikaso skice viņa slavenajai gleznai "Guernica"
Plānojot un strādājot pie savas milzīgās gleznas Guernica, Pikaso veica daudzas skices un pētījumus. Fotoattēlā redzams viens no viņa sastāvs skices, kuras pašas par sevi neizskatās daudz, skribelētu līniju kolekcija.
Tā vietā, lai mēģinātu atšifrēt, kādas varētu būt dažādas lietas un kur tās atrodas pēdējā gleznā, domājiet par to kā Pikaso stenogrāfu. Vienkārši zīmju izgatavošana par attēliem, kurus viņš turēja prātā. Koncentrējieties uz to, kā viņš to izmanto, lai izlemtu, kur gleznā ievietot elementus, uz šo elementu mijiedarbību.
"Guernica" - Pikaso
Šī slavenā Pikaso glezna ir milzīga: 11 pēdas 6 collas augsta un 25 pēdas 8 collas platas (3,5 x 7,76 metri). Pikaso to gleznoja pēc pasūtījuma Spānijas paviljonam 1937. gada pasaules izstādē Parīzē. Tas atrodas muzejā Reina Sofia Madridē, Spānijā.
"Portrait de Mr Minguell" - Pikaso
Pikaso šo portreta gleznu darīja 1901. gadā, kad viņam bija 20 gadu. Priekšmets ir Katalonijas šuvējs Minguels, kuru, pēc domām, ar Pikaso iepazīstināja viņa mākslas tirgotājs un draugs Pedro Manahs1. Stils parāda Pikaso apmācību tradicionālajā glezniecībā un to, cik tālu viņa glezniecības stils attīstījās karjeras laikā. Tas, ka tas ir krāsots uz papīra, ir pazīme, ka tas tika darīts laikā, kad Pikaso tika salauzts, vēl nepelnot no mākslas pietiekami daudz naudas, lai gleznotu uz audekla.
Pikaso uzdāvināja gleznu Minguellam, bet vēlāk to atpirka un joprojām bija, kad nomira 1973. gadā. Glezna tika uzlikta uz audekla un, iespējams, arī atjaunota Pikaso vadībā "kaut kad pirms 1969. gada"2, kad tas tika fotografēts Kristiana Zervosa grāmatai par Pikaso.
Nākamreiz, kad jūs piedalāties vienā no šiem vakariņu ballītes strīdiem par to, kā visi gleznotāji, kas nav reālisti, glezno tikai abstrakts, kubists, fovists, impresionists, izvēlieties savu stilu, jo viņi nevar izveidot "īstas gleznas", jautājiet personai, vai viņi Pikaso ir iekļāvuši šajā kategorijā (lielākā daļa to dara), pēc tam pieminiet šo gleznu.
Avots:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 daudz detaļu impresionistu un modernās mākslas izpārdošana 2010. gada 22. jūnijā. (Skatīts 2010. gada 3. jūnijā.)
"Dora Maar" vai "Tête De Femme" - Pikaso
Pārdodot izsolē 2008. gada jūnijā, šī Pikaso glezna tika pārdota par 7 881 250 mārciņām (15 509 512 ASV dolāri). Izsoles tāme bija trīs līdz pieci miljoni mārciņu.
Les Demoiselles d'Avignon - Pikaso
Šī milzīgā Pikaso glezna (gandrīz astoņas kvadrātpēdas) tiek pasludināta par vienu no vissvarīgākajiem mūsdienu mākslas priekšmetiem, kas jebkad radīti, ja ne vissvarīgākā, izšķiroša glezna mūsdienu mākslas attīstībā. Gleznā attēlotas piecas sievietes - prostitūtas bordelī, taču ir daudz diskusiju par to, ko tas viss nozīmē, un par visām atsaucēm un ietekmēm tajā.
Mākslas kritiķis Džonatans Džonss1 saka:
"Kas pārsteidza Pikaso par Āfrikas maskām [kas redzams labo figūru sejās], bija visredzamākā lieta: ka viņi tevi maskē, pārvērš par kaut ko citu - par dzīvnieku, dēmonu, a dievs. Modernisms ir māksla, kas valkā masku. Tajā nav teikts, ko tas nozīmē; tas nav logs, bet siena. Pikaso savu tēmu izvēlējās tieši tāpēc, ka tā bija klišeja: viņš vēlējās parādīt, ka oriģinalitāte mākslā slēpjas nevis stāstījumā vai morālē, bet gan formālā izgudrojumā. Tāpēc ir nepareizi uzskatīt, ka Les Demoiselles d'Avignon ir glezna “par” bordeļiem, prostitūtām vai koloniālismu ”.
Avots:
1. Pablo Punks Džonatans Džonss, Aizbildnis, 2007. gada 9. janvāris.
"Sieviete ar ģitāru" - Žoržs Braks
Georges Braque, Sieviete ar ģitāru, 1913. Eļļa un kokogles uz audekla. 51 1/4 x 28 3/4 collas (130 x 73 cm). Modernās mākslas muzejā Musee, centrā Georges Pompidou, Parīze.
Sarkanā studija - Anrī Matīss
Šī glezna ir Modernās mākslas muzejs (Moma) Ņujorkā. Tas parāda Matisa glezniecības studijas interjeru ar saplacinātu perspektīvu vai vienu attēla plakni. Viņa studijas sienas patiesībā nebija sarkanas, tās bija baltas; viņš gleznā izmantoja sarkano krāsu.
Viņa studijā ir apskatāmi dažādi viņa mākslas darbi un studijas mēbeļu gabali. Viņa studijas mēbeļu kontūras ir krāsas līnijas, kas atklāj krāsu no apakšējā, dzeltenā un zilā slāņa, nevis krāsotas virs sarkanās krāsas.
1. "Leņķiskās līnijas liek domāt par dziļumu, un loga zili zaļā gaisma pastiprina iekšējās telpas izjūtu, bet sarkanais plašums izlīdzina attēlu. Matīss pastiprina šo efektu, piemēram, izlaižot istabas stūra vertikālo līniju. "
- MoMA Highlights, izdevējs Moma, 2004, 77. lpp.
2. "Visi elementi... nogremdē savas individuālās identitātes tajā, kas kļuva par ilgstošu meditāciju par mākslu un dzīvi, telpu, laiku, uztveri un pašas realitātes dabu... krustojums Rietumu glezniecībai, kur klasiskā uz āru vērstā, galvenokārt reprezentatīvā pagātnes māksla satikās ar pagaidu, internalizēto un pašreferenciālu nākotnes ētiku... "
- Hilarija Spurlinga, 81. lpp.
Deja - Anrī Matīss
Augšējā fotoattēlā redzama Matisa pabeigtā glezna ar nosaukumu Deja, kas pabeigts 1910. gadā un tagad atrodas Valsts Ermitāžas muzejā Sanktpēterburgā, Krievijā. Apakšējā fotoattēlā redzams pilna izmēra kompozīcijas pētījums, ko viņš veica gleznai, kas tagad atrodas MOMA Ņujorkā, ASV. Matīss to gleznoja pēc krievu mākslas kolekcionāra Sergeja Ščukina pasūtījuma.
Tā ir milzīga, gandrīz četrus metrus plata un divarpus metrus gara glezna (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2"), un tā ir nokrāsota ar trīs krāsu paleti: sarkana, zaļa un zila. Es domāju, ka tā ir glezna, kas parāda, kāpēc Matīsam ir tik liela kolorista reputācija, it īpaši, ja salīdzināt pētījumu ar galīgo gleznu ar tās kvēlojošajām figūrām.
Hilarija Spurlinga savā Matīsas biogrāfijā (30. lpp.) Saka:
"Tie, kas redzēja pirmo versiju Deja raksturoja to kā bālu, smalku, pat sapņainu, krāsotu paaugstinātās krāsās... otrajā variantā sīvā, plakanajā frāzē ar vermilionu figūrām, kas vibrē pret koši zaļu un debess joslām. Laikabiedri gleznu uzskatīja par pagānu un dionisiāņu. "
Ievērojiet saplacinātu perspektīvu, kā skaitļi ir vienāda izmēra, nevis tādi, kas atrodas tālāk, lai būtu mazāki, kā tas varētu notikt perspektīvā vai īsā laikā reprezentatīvām gleznām. Kā līnija starp zilo un zaļo aiz figūrām ir izliekta, atbalsojot skaitļu apli.
"Virsma tika nokrāsota līdz piesātinājumam līdz vietai, kur zilā krāsa, ideja par absolūti zilo, bija pārliecinoši. Spilgti zaļa zemei un dzīvīga vermilija ķermeņiem. Ar šīm trim krāsām man bija sava gaismas harmonija un arī toņa tīrība. "- Matīss
Avots:
Grega Harisa "Ievads izstādē no krievu valodas skolotājiem un studentiem", Londonas Karaliskā mākslas akadēmija, 2008. gads.
Slaveni gleznotāji: Vilems de Koonings
Gleznotājs Vilems de Koonings dzimis Roterdamā, Nīderlandē, 1904. gada 24. augustā un nomira Longailendā, Ņujorkā, 1997. gada 19. martā. De Koonings mācījās komerciālajā mākslas un dekorēšanas firmā, kad viņam bija 12 gadu, un astoņus gadus apmeklēja vakara nodarbības Roterdamas Mākslas un tehnikas akadēmijā. Viņš emigrēja uz ASV 1926. gadā un pilnu slodzi sāka gleznot 1936. gadā.
De Kooninga glezniecības stils bija abstrakts ekspresionisms. Viņam bija pirmā personālizstāde Ņujorkas Čārlza Egana galerijā 1948. gadā ar darbu melnā un baltā emaljas krāsā. (Viņš sāka lietot emaljas krāsu, jo nevarēja atļauties mākslinieka pigmentus.) Līdz 1950. gadiem viņš tika atzīts par viens no abstraktā ekspresionisma līderiem, kaut arī daži stila puristi domāja, ka viņa gleznas (piemēram, viņa Sieviete sērijas) ietver pārāk daudz cilvēka formas.
Viņa gleznās ir daudz slāņu, elementi pārklājas un tiek paslēpti, kad viņš pārstrādā un pārstrādā gleznu. Izmaiņas ir atļauts parādīt. Sākotnējai kompozīcijai un gleznojot, viņš daudz zīmēja uz audekla oglēm. Viņa suka ir žestikulēta, izteiksmīga, mežonīga, ar insultu ir enerģijas izjūta. Pēdējais gleznu skatiens ir izdarīts, bet tas nav izdarīts.
De Kooninga mākslinieciskais rezultāts aptvēra gandrīz septiņas desmitgades un ietvēra gleznas, skulptūras, zīmējumus un izdrukas. Viņa pēdējās gleznas Avots 80. gadu beigās. Viņa slavenākās gleznas ir Rozā Eņģeļi (c. 1945), Rakšana (1950), un viņa trešais Sieviete sērijas (1950–53), kas veidotas gleznieciskākā stilā un improvizācijas pieejā. 1940. gados viņš vienlaikus strādāja abstraktā un reprezentācijas stilā. Viņa izrāviens notika ar melnbaltām abstraktajām kompozīcijām 1948. – 49. 50. gadu vidū viņš gleznoja pilsētas abstrakcijas, atgriežoties pie figurācijas 1960. gados, pēc tam pie lielajām žestu abstrakcijām 1970. gados. Astoņdesmitajos gados de Koonings pārgāja uz darbu uz gludām virsmām, stiklojot ar spilgtām, caurspīdīgām krāsām virs žestu zīmējumu fragmentiem.
Amerikāņu gotika - Grants Vuds
Amerikāņu gotika ir, iespējams, slavenākā no visām gleznām, ko jebkad radījis amerikāņu mākslinieks Grants Vuds. Tagad tas atrodas Čikāgas Mākslas institūtā.
Grants Vuds 1930. gadā gleznoja "Amerikas gotiku". Tajā attēlots vīrietis un viņa meita (nevis viņa sieva1) stāvot viņu mājas priekšā. Grants ieraudzīja ēku, kas iedvesmoja gleznu, Eldonā, Aiovas štatā. Arhitektūras stils ir amerikāņu gotika, kur glezna iegūst nosaukumu. Gleznas modeļi bija Vuda māsa un viņu zobārsts.2. Glezna ir parakstīta netālu no apakšējās malas, uz vīrieša kombinezona, ar mākslinieka vārdu un gadu (Grant Wood 1930).
Ko nozīmē glezna? Vuds to iecerēja kā cienīgu amerikāņu vidrietumu rakstura atveidojumu, parādot viņu puritāņu ētiku. Bet to varētu uzskatīt par komentāru (satīru) par lauku iedzīvotāju neiecietību pret nepiederīgajiem. Gleznas simbolika ietver smagu darbu (piķis) un mājsaimniecību (puķu podi un koloniālās apdrukas priekšauts). Ja paskatīsieties uzmanīgi, redzēsiet, kā trīs dzeloņstieples zari atbalsojās vīra kombinezona šuvēs, turpinot augšup pa svītrām uz krekla.
Avots:
Amerikāņu gotika, Čikāgas Mākslas institūts, iegūts 2011. gada 23. martā.
"Svētā Krusta Jāņa Kristus" - Salvadors Dalī
Šī glezna Salvadors Dalī ir kolekcijas Kelvingrove mākslas galerija un muzejs Glāzgovā, Skotijā. Pirmo reizi tas tika parādīts galerijā 1952. gada 23. jūnijā. Glezna tika nopirkta par 8200 sterliņu mārciņām, kas tika uzskatīta par augstu cenu, kaut arī tajā bija iekļautas autortiesības, kas galerijai ļāva nopelnīt maksu par reproducēšanu (un pārdot neskaitāmas pastkartes!).
Dali bija neparasti pārdot autortiesības uz gleznu, taču viņam vajadzēja naudu. (Autortiesības paliek māksliniekam, ja vien tas nav parakstīts, skat Mākslinieka autortiesību jautājumi.)
"Acīmredzot finansiālās grūtībās Dali sākotnēji pieprasīja 12 000 mārciņu, bet pēc smagām kaulēšanās... viņš to pārdeva par gandrīz trešdaļu mazāk un 1952. gadā parakstīja vēstuli [Glāzgovas] pilsētai, nododot autortiesības.
Gleznas nosaukums ir atsauce uz zīmējumu, kas iedvesmoja Dali. Pildspalvas un tintes zīmējums tika veikts pēc tam, kad Svētā Krusta Jāņa (spāņu karmelītu brāļa, 1542–1591) vīzija bija tāda, kurā viņš redzēja Kristus krustā sišanu it kā skatītos uz to no augšas. Kompozīcija ir pārsteidzoša ar savu neparasto skatījumu uz Kristus krustā sišanu, apgaismojums ir dramatisks un spēcīgs ēnas, un to lieliski izmanto īslaicīga attēlā. Ainava gleznas apakšā ir Dali dzimtās pilsētas Port Lligat osta Spānijā.
Glezna ir bijusi pretrunīga daudzos aspektos: summa, kas par to tika samaksāta; priekšmets; stils (kas drīzāk parādījās retro, nevis mūsdienīgs). Vairāk par gleznu lasiet galerijas vietnē.
Avots:
"Sirreāls Dali attēlu gadījums un cīņa par māksliniecisko licenci"autors Severins Kerels, Aizbildnis, 2009. gada 27. janvāris
Kempbela zupas kannas - Endijs Vorhols
Detaļa no Endija Vorhola Kempbelas zupas kannas. Akrils uz audekla. 32 gleznas katrā 20x16 "(50.8x40.6cm). Kolekcijā Modernās mākslas muzejs (MoMA) Ņujorkā.
Pirmo reizi Vorhols izstādīja savas Kempbelas zupas skārda gleznu sērijas 1962. gadā, katras gleznas apakšdaļa balstījās uz plaukta tāpat kā bundža lielveikalā. Sērijā ir 32 gleznas, to zupu šķirņu skaits, kuras tajā laikā pārdeva Kempbels.
Ja jūs būtu iedomājies, ka Vorhols uzkrāj pieliekamo ar zupas kārbām, tad ēdot bundžu, kā viņš pabeidzis gleznot, labi, šķiet, ka nē. Saskaņā ar Moma vietni, Vorhols izmantoja Campbell's produktu sarakstu, lai katrai gleznai piešķirtu atšķirīgu garšu.
Uz jautājumu par to Vorhols sacīja:
"Es to mēdzu dzert. Es mēdzu katru dienu ieturēt vienas un tās pašas pusdienas, divdesmit gadus, es domāju, ka tas pats atkal un atkal. "1
Arī Vorholam acīmredzot nebija pasūtījuma, kurā viņš gribētu, lai gleznas tiktu izstādītas. Moma parāda gleznas "rindās, kas atspoguļo [zupu] ieviešanas hronoloģisko secību, sākot ar" Tomātu "augšējā kreisajā stūrī, kas debitēja 1897. gadā."
Tāpēc, ja jūs krāsojat sēriju un vēlaties, lai tās tiktu parādītas noteiktā secībā, pārliecinieties, ka kaut kur esat to izdarījis. Audeklu aizmugurējā mala, iespējams, ir vislabākā, jo tad tā netiks atdalīta no gleznas (lai gan gleznas ir ierāmētas, tās var paslēpties).
Vorhols ir mākslinieks, kuru bieži piemin gleznotāji, kuri vēlas izgatavot atvasinātus darbus. Pirms līdzīgu darbību veikšanas ir vērts atzīmēt divas lietas:
- Ieslēgts Momas vietne, tur ir norāde par Campbell's Soup Co licenci (t.i., licences līgums starp zupas uzņēmumu un mākslinieka īpašumu).
- Šķiet, ka autortiesību ievērošana Vorhola laikā nebija tik aktuāla problēma. Neuzņemieties autortiesību pieņēmumus, pamatojoties uz Vorhola darbu. Veiciet pētījumu un izlemiet, kāds ir jūsu bažu līmenis par iespējamu autortiesību pārkāpuma lietu.
Kempbels nav pavēlējis Vorholam veikt gleznas (lai gan 1964. gadā viņi to pasūtīja atvaļinātam valdes priekšsēdētājam) un bija bažas, kad 1962. gadā zīmols parādījās Vorhola gleznās, pieņemot nogaidošu pieeju, lai spriestu par reakciju uz gleznas. 2004., 2006. un 2012. gadā Campbell pārdeva skārda kārbas ar īpašām Vorhola piemiņas etiķetēm.
Avots:
1. Kā citēts Moma, skatīts 2012. gada 31. augustā.
Lielāki koki pie Vārtera - Deivids Hoknijs
Tops: Mākslinieks Deivids Hoknijs stāv blakus savai eļļas gleznai "Lielāki koki pie Vārtera", kuru viņš 2008. gada aprīlī dāvināja Tate Britain.
Apakšā: Glezna pirmo reizi tika izstādīta 2007. gada vasaras izstādē Londonas Karaliskajā akadēmijā, aizņemot visu sienu.
Deivida Hoknija eļļas glezna "Lielāki koki pie Vārtera" (saukta arī par Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) attēlota aina netālu no Bridlingtonas Jorkšīrā. Glezna, kas izgatavota no 50 audekliem, kas izvietoti viens otram blakus. Kopā ņemot, gleznas kopējais izmērs ir 40x15 pēdas (4,6x12 metri).
Tajā laikā, kad Hoknijs to krāsoja, tas bija lielākais gabals, ko viņš jebkad bija pabeidzis, lai gan ne pirmais, kuru viņš radīja, izmantojot vairākas audeklus.
" Es to izdarīju, jo sapratu, ka varu to izdarīt bez kāpnēm. Gleznojot, jums jāspēj atkāpties. Nu, ir mākslinieki, kuri ir nogalināti, atkāpjoties no kāpnēm, vai ne?"
- Hoknijs citēts a Reuter ziņu ziņojums, 2008. gada 7. aprīlis.
Hoknijs izmantoja zīmējumus un datoru, lai palīdzētu kompozīcijā un glezniecībā. Pēc sadaļas pabeigšanas tika uzņemts fotoattēls, lai viņš varētu redzēt visu gleznu datorā.
"Pirmkārt, Hoknijs ieskicēja režģi, parādot, kā aina saderēs vairāk nekā 50 paneļos. Tad viņš sāka strādāt pie atsevišķiem paneļiem in situ. Strādājot pie viņiem, viņi tika nofotografēti un izgatavoti no datora mozaīkas, lai viņš varētu attēlot savu progresu, jo viņam pie sienas vienlaikus varēja būt tikai seši paneļi. "
Avots:
Šarlote Higinsa, Aizbildnis mākslas korespondents, Hoknijs ziedo Teitam milzīgu darbu, 2008. gada 7. aprīlis.
Henrija Mūra kara gleznas
The Henrija Mūra izstāde Londonas Tate Britain galerijā notika no 2010. gada 24. februāra līdz 8. augustam.
Britu mākslinieks Henrijs Mūrs ir visslavenākais ar savām skulptūrām, bet pazīstams arī ar savu tinti, vasku un akvareļkrāsas ar cilvēkiem, kas Otrā pasaules kara laikā atrodas Londonas metro stacijās. Mūrs bija oficiāls kara mākslinieks, un 2010. g Henrija Mūra izstāde Tate Britain galerijā tiem ir veltīta telpa. Izgatavots no 1940. gada rudens līdz 1941. gada vasarai, un viņa guļošo figūru attēli piestiprinājās vilcienā tuneļi pārņēma ciešanu sajūtu, kas pārveidoja viņa reputāciju un ietekmēja tautas uztveri Blitz. Viņa 50. gadu darbs atspoguļoja kara sekas un turpmāku konfliktu izredzes.
Mūrs ir dzimis Jorkšīrā un pēc dienēšanas Pirmajā pasaules karā 1919. gadā mācījies Līdsas Mākslas skolā. 1921. gadā viņš ieguva stipendiju Karaliskajā koledžā Londonā. Vēlāk viņš pasniedza Karaliskajā koledžā, kā arī Čelsijas mākslas skolā. Kopš 1940. Gada Mūrs dzīvoja Perija Grīnā Hertfordšīrā, kur tagad dzīvo Henrija Mūra fonds. 1948. gada Venēcijas biennālē Mūrs ieguva Starptautisko tēlniecības balvu.
"Frenks" - Čaks Klijs
Čaka Bloka "Frank", 1969. gads. Akrils uz audekla. Izmērs: 108 x 84 x 3 collas (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). Iekš Mineapoles Mākslas institūts.
Lusiana Freida pašportrets un foto portrets
Mākslinieks Lūcians Freids ir slavens ar savu intensīvo, nepielūdzamo skatienu, taču, kā liecina šis pašportrets, viņš to vērš pret sevi, ne tikai uz saviem modeļiem.
1. "Es domāju, ka lielisks portrets ir saistīts ar... sajūta un individualitāte, kā arī uzmanības intensitāte un koncentrēšanās uz konkrēto. " 1
2. "... jums jāmēģina sevi gleznot kā citu cilvēku. Ar pašportretiem "līdzība" kļūst par citu lietu. Man ir jādara tas, ko es jūtos, neesot ekspresionists. " 2
Avots:
1. Lusians Freids, citēts Freida darbā p32-3. 2. Lusianu Freidu citēja Viljams Feavers Lucian Freud (Tate Publishing, Londona 2002), 43. lpp.
"Monas Lizas tēvs" - Cilvēks Rejs
Cilvēka Reja "Monas Lizas tēvs", 1967. gads. Uz šķiedru plātnes piestiprināta zīmējuma ar pievienotu cigāru reproducēšana. Izmērs 18 x 13 5/8 x 2 5/8 collas (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). Kolekcijā Hiršornas muzejs.
Daudzi cilvēki Manu Reju saista tikai ar fotogrāfiju, bet viņš bija arī mākslinieks un gleznotājs. Viņš bija draugos ar mākslinieku Marselu Duhampu un strādāja sadarbībā ar viņu.
1999. gada maijā Mākslas jaunumi žurnāls iekļāva Manu Reju 20 ietekmīgāko 20. gadsimta mākslinieku sarakstā par viņa fotografēšanu un "filmu, glezniecības, tēlniecības, kolāžas, montāžas izpēti. Šos prototipus galu galā sauktu par performanču un konceptuālo mākslu. "
Art News teica:
"Cilvēks Rejs visos plašsaziņas līdzekļos piedāvāja māksliniekiem radošās inteliģences piemēru, kas, meklējot baudu un brīvību" principi] atslēdza visas durvis, pie kurām pienāca, un brīvi gāja, kur gribēja. "(Citātu avots: Art News, 1999. gada maijs, AD" Willful Provocateur " Coleman.)
Šis gabals "Monas Lizas tēvs" parāda, kā salīdzinoši vienkārša ideja var būt efektīva. Pirmkārt, idejas izveide ir grūtākā; dažreiz tie nāk kā iedvesmas zibsnis; dažreiz ideju ideju ietvaros; dažreiz attīstot un īstenojot koncepciju vai domu.
Slaveni gleznotāji: Īvs Kleins
Retrospektīvi: Īva Kleina izstāde Hirshhornas muzejā Vašingtonā, ASV, no 2010. gada 20. maija līdz 2010. gada 12. septembrim.
Mākslinieks Īvs Kleins, iespējams, ir visslavenākais ar saviem vienkrāsainajiem mākslas darbiem, kuros attēlota viņa īpašā zilā krāsa (sk., Piemēram, "Dzīvā ota"). IKB jeb International Klein Blue ir viņa formulētais ultramarīna zils.
Nosaucot sevi par "kosmosa gleznotāju," Kleins "ar tīru krāsu centās sasniegt nemateriālu garīgumu" un rūpējās par "mūsdienu jēdzieniem par mākslas konceptuālo dabu".1.
Kleina karjera bija salīdzinoši īsa, mazāk nekā desmit gadus. Viņa pirmais publiskais darbs bija mākslinieka grāmata Īvs Peintures ("Yves Paintings"), kas publicēts 1954. gadā. Viņa pirmā publiskā izstāde bija 1955. gadā. Viņš nomira no sirdslēkmes 1962. gadā, būdams 34 gadus vecs. (Kleina dzīves laika skala no Īva Kleina arhīvs.)
Avots:
1. Īvs Kleins: ar Tukšumu, pilnām pilnvarām, Hiršhornas muzeju, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, skatīts 2010. gada 13. maijā.
"Dzīvā ota" - Īvs Kleins
Šī franču mākslinieka glezna Īvs Kleins (1928-1962) ir viena no sērijām, kurā viņš izmantoja "dzīvās otas". Viņš apklāja kailu sieviešu modeļus ar savu zilo krāsu (International Kleins Zils, IKB) un pēc tam izrādes mākslas darbā auditorijas priekšā, kas ar viņiem "uzgleznota" uz lielām papīra loksnēm, virzot viņus mutiski.
Nosaukums "ANT154" ir atvasināts no mākslas kritiķa Pjēra Restanja komentāra, kurā aprakstīts gleznas, kas ražotas kā "zilā perioda antropometrija". Kleins kā virkni izmantoja saīsinājumu ANT nosaukums.
Melnā glezna - Ad Reinhardt
"Krāsās ir kaut kas nepareizs, bezatbildīgs un prātīgs; kaut ko neiespējamu kontrolēt. Kontrole un racionalitāte ir daļa no manas morāles. " - Ad Reinhards 1960. gadā 1
Šī amerikāņu mākslinieka Ad Reinhardta (1913–1967) vienkrāsainā glezna atrodas Ņujorkas Modernās mākslas muzejā (Moma). Tā ir 60x60 "(152,4x152,4cm), eļļa uz audekla, un tika krāsota 1960.-61. Pēdējo desmit gadu laikā un mazliet savas dzīves (viņš nomira 1967. gadā) Reinhards gleznās izmantoja tikai melnu krāsu.
Eimija Sia, kurš nofotografēja, saka, ka kārtības sargs norāda, kā glezna ir sadalīta deviņos kvadrātos, no kuriem katram ir atšķirīgs melnais tonis.
Neuztraucieties, ja to nevarat redzēt fotoattēlā. To ir grūti redzēt, pat atrodoties gleznas priekšā. Viņā eseja par Reinhardtu attiecībā uz Gugenheimu Nensija Spektere Reinhardta audeklus raksturo kā "izslēgtus melnus kvadrātus, kuros ir tikko pamanāmas krustveida formas [kas] apstrīd redzamības robežas" 2.
Avots:
1. Krāsa mākslā autors Džons Geidžs, 205. lpp
2. Reinhards no Nensijas Spektoras, Gugenheimas muzejs (Skatīts 2013. gada 5. augustā)
Džona Tikuma Londonas glezna
Britu mākslinieks Džons Virtue kopš 1978. gada glezno abstraktas ainavas ar melnbaltu krāsu. Londonas Nacionālās galerijas producētajā DVD ierakstā Tikumība saka, ka darbs melnbaltā krāsā liek viņam "būt izgudrojamam... no jauna izgudrot". Eschewing krāsa "padziļinās mana sajūta par to, kāda krāsa ir… Faktiski tā, ko es redzu, sajūtu... vislabāk un precīzāk un precīzāk izsaka tas, ka nav eļļas paletes krāsot. Krāsa būtu cul de sac. "
Šī ir viena no Džona Virtuā Londonas gleznām, kas tapusi, kamēr viņš bija Nacionālās galerijas asociētais mākslinieks (no 2003. līdz 2005. gadam). The Nacionālās galerijas vietne apraksta tikumības gleznas kā "radniecīgas austrumu otu apgleznošanai un amerikāņu abstraktajam ekspresionismam" un cieši saistītas ar "lielo angļu valodu". ainavu gleznotāji Tērners un Konstabls, kurus tikumība ārkārtīgi apbrīno ", kā arī to ietekmē Holandes un flāmu ainavas Ruisdael, Koninck un Rubens ".
Tikumība nedod nosaukumus savām gleznām, tikai numurus. Intervijā 2005. Gada aprīļa numurā Mākslinieki un ilustratori žurnāls, Tikumība saka, ka viņš savu darbu sāka numurēt hronoloģiski tālajā 1978. gadā, kad sāka strādāt vienkrāsaini:
"Nav hierarhijas. Nav svarīgi, vai tas ir 28 pēdas vai trīs collas. Tā ir neverbāla manas eksistences dienasgrāmata. "
Viņa gleznas sauc tikai par "Ainavu Nr.45" vai "Ainavu Nr.630" utt.
Mākslas tvertne - Maikls Landijs
Gadā notika mākslinieka Maikla Lendija izstāde Art Bin Dienvidlondonas galerija no 2010. gada 29. janvāra līdz 14. martam. Koncepcija ir milzīga (600m3) galerijas telpā iebūvēta atkritumu tvertne, kurā tiek izmesta māksla, "radošās neveiksmes piemineklis"1.
Bet ne tikai jebkura vecā māksla; jums bija jāpiesakās mest savu mākslu atkritumu tvertnē tiešsaistē vai galerijā, Maiklam Lendijam vai kādam no viņa pārstāvjiem izlemjot, vai to varētu iekļaut vai ne. Ja tas tika pieņemts, tas tika iemests atkritumu tvertnē no torņa vienā galā.
Kad es biju izstādē, tika iemesti vairāki gabali, un tas, kas to izdarīja, bija daudz prakses no tā, kā viņš spēja likt vienai gleznai slīdēt tieši uz otru gleznas pusi konteiners.
Mākslas interpretācija virzās pa ceļu, kad / kāpēc māksla tiek uzskatīta par labu (vai atkritumu), subjektivitāte mākslai piešķirtā vērtība, mākslas kolekcionēšanas akts, mākslas kolekcionāru un galeriju spēks radīt vai salauzt mākslinieka vērtību karjeras.
Noteikti bija interesanti staigāt gar sāniem, apskatot, kas ir iemests, kas ir salūzis (daudz polistirola gabalu) un kas nav (lielākā daļa gleznu uz audekla bija veselas). Kaut kur lejasdaļā atradās liela galvaskausa apdruka, kuru rotāja Damjena Hērsta stikls un Treisijas Eminas gabals. Galu galā tas, kas varētu būt, tiktu pārstrādāts (piemēram, papīra un audekla nestuves), bet pārējais būtu paredzēts nonākt poligonā. Apglabāts kā atkritums, un, visticamāk, arheologs tos neizrok gadsimtiem ilgi.
Avots:
1&2. #Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), South London Gallery vietne, skatīta 2010. gada 13. martā.
Baraks Obama - Šepards Fērijs
Šo ASV politiķa Baraka Obamas gleznu, jauktu mediju trafaretu kolāžu, izveidoja Losandželosā dzīvojošais ielu mākslinieks, Šepards Fērijs. Tas bija centrālais portreta attēls, kas tika izmantots Obamas 2008. gada prezidenta vēlēšanu kampaņā un tika izplatīts kā ierobežota tirāžas druka un bezmaksas lejupielāde. Tagad tas atrodas Nacionālajā portretu galerijā Vašingtonā.
1. "Lai izveidotu savu Obamas plakātu (ko viņš izdarīja mazāk nekā pēc nedēļas), Fērijs no interneta izrāva kandidāta ziņu fotogrāfiju. Viņš meklēja Obamu, kas izskatījās prezidenta amatā... Pēc tam mākslinieks vienkāršoja līnijas un ģeometriju, izmantojot sarkanu, baltu un zilu patriotisku paleti (ar kuru viņš spēlē, padarot balto smilškrāsu un zilo par pasteļtoņu). treknraksta vārdi ...
2. "Viņa Obamas plakāti (un daudzi viņa komerciālie un tēlotājas mākslas darbi) ir revolucionāri propagandisti - košās krāsas, drosmīgais uzraksts, ģeometriskā vienkāršība, varonīgās pozas "
Avots:
"Obamas apstiprinājums uz sienas" autors Viljams Būts, Washington Post 2008. gada 18. maijs.
"Rekviēms, baltas rozes un tauriņi" - Damjens Hērsts
Britu mākslinieks Damjens Hērsts ir visvairāk slavens ar saviem dzīvniekiem, kas konservēti formaldehīdā, bet 40 gadu sākumā atgriezās pie eļļas glezniecības. 2009. gada oktobrī viņš Londonā pirmo reizi izstādīja gleznas, kas radītas no 2006. līdz 2008. gadam. Šis vēl slavenā mākslinieka gleznas piemērs nāk no viņa izstāde Wallace kolekcijā Londonā ar nosaukumu "No Love Lost". (Datumi: no 2009. gada 12. oktobra līdz 2010. gada 24. janvārim.)
BBC News citēju Hērsta teikto.
"Viņš tagad glezno tikai ar rokām", ka divus gadus viņa "gleznas bija apkaunojošas, un es negribēju ikviens, kurš ienāk. "un ka viņam" pirmo reizi kopš pusaudžu mākslas bija jāiemācās gleznot students. "1
Volesa izstādei pievienotajā paziņojumā presei teikts:
"" Zilās gleznas "liecina par drosmīgu jaunu virzienu viņa darbā; gleznu sērija, kas pēc mākslinieka vārdiem ir "dziļi saistīta ar pagātni". "
Krāsas uzlikšana uz audekla noteikti ir jauns virziens Hirstam, un, kur Hērsts iet, visticamāk, sekos arī mākslas studenti. Eļļas glezniecība atkal varētu kļūt moderns.
Odetteadijes.com ceļvedis London Travel, Laura Porter, devās uz Hērsta izstādes preses priekšskatījumu un ieguva atbildi uz vienu jautājumu, kuru vēlējos uzzināt: kādus zilos pigmentus viņš izmantoja?
Laurai teica, ka tas bija "Prūsijas zils visiem, izņemot vienu no 25 gleznām, kas ir melna. "Nav brīnums, ka tā ir tik tumša, gruzdoša zila!
Mākslas kritiķis Adrians Sīrs Aizbildnis nebija ļoti labvēlīgs attiecībā uz Hērsta gleznām:
"Sliktākajā gadījumā Hērsta zīmējums izskatās vienkārši amatierisks un pusaudzīgs. Viņa birstes darbiem trūkst to ofu un panache, kas liek ticēt gleznotāja meliem. Viņš to vēl nevar nēsāt. "2
Avots:
1 Hērsts "atsakās no marinētiem dzīvniekiem", BBC News, 2009. gada 1. oktobris
2. "Damjena Hērsta gleznas ir nāvējoši blāvas, "Adrians Sērls, Aizbildnis, 2009. gada 14. oktobris.
Slaveni mākslinieki: Antonijs Gormlijs
Antonijs Gormlijs ir britu mākslinieks, iespējams, slavenākais ar savu skulptūru Ziemeļu eņģelis, kas tika atklāta 1998. gadā. Tas atrodas Tinsaidā, Anglijas ziemeļaustrumos, vietā, kas kādreiz bija koljērija, un jūs laipni gaidīja ar 54 metrus platiem spārniem.
2009. gada jūlijā Gormley instalācijas mākslas darbs Ceturtajā cokolī Trafalgaras laukumā Londonā redzēja, kā brīvprātīgais 100 dienas stāvēja stundu uz cokola, 24 stundas diennaktī. Atšķirībā no citiem Trafalgāra laukuma cokoliem, ceturtajā cokolī, kas atrodas tieši ārpus Nacionālās galerijas, nav pastāvīgas statujas. Daži dalībnieki bija paši mākslinieki un ieskicēja savu neparasto skatu punktu (foto).
Antonijs Gormlijs dzimis 1950. gadā Londonā. Viņš studēja dažādās koledžās Lielbritānijā un budismu uz Indiju un Šrilanku, pirms laika pievērsās tēlniecībai Slade mākslas skolā Londonā no 1977. līdz 1979. gadam. Viņa pirmā personālizstāde bija Whitechapel mākslas galerijā 1981. gadā. 1994. gadā Gormlijs ieguva Tērnera balvu ar filmu "Field for the British Isles".
Viņa biogrāfija par viņu vietne saka:
... Antonijs Gormlijs ir atdzīvinājis cilvēka tēlu skulptūrā, radikāli izpētot ķermeni kā atmiņas un transformācijas vietu, izmantojot savu ķermeni kā priekšmetu, instrumentu un materiālu. Kopš 1990. gada viņš ir paplašinājis rūpes par cilvēka stāvokli, lai izpētītu kolektīvo ķermeni un attiecības starp sevi un citiem liela mēroga instalācijās ...
Gormlijs neveido tāda veida figūru, kādu viņš dara, jo viņš nevar darīt tradicionālā stila statujas. Drīzāk viņš priecājas par atšķirību un spēju, ko viņi mums dod, tos interpretēt. Intervijā ar Laiki1, viņš teica:
"Tradicionālās statujas nav par potenciālu, bet par kaut ko jau pabeigtu. Viņiem ir morāla autoritāte, kas drīzāk ir nomācoša, nevis sadarbojoša. Mani darbi atzīst viņu tukšumu. "
Avots:
Antonijs Gormlijs, cilvēks, kurš sabojāja pelējumu, John-Paul Flintoff, The Times, 2008. gada 2. marts.
Slaveni mūsdienu britu gleznotāji
No kreisās uz labo mākslinieki Bobs un Roberta Smits, Bils Vudro, Paula Rego, Maikls Kreigs-Martins, Maggi Hambling, Braiens Klārks, Kati de Monšo, Toms Filipss, Bens Džonsons, Toms Hanters, Pīters Bleiks, un Alisona Vata.
Šis gadījums bija gleznas apskate Diāna un Aktaons autors Ticiāns (neredzēts, pa kreisi pa kreisi) Londonas Nacionālajā galerijā ar mērķi savākt līdzekļus gleznas iegādei galerijai.
Slaveni mākslinieki: Lī Krasners un Džeksons Poloks
No šiem diviem gleznotājiem Džeksons Poloks ir vairāk slavens nekā Lī Krasners, taču bez viņas atbalsta un viņa mākslas darbu popularizēšanas viņam, iespējams, nav vietas mākslas laika skalā, ko viņš dara. Abi gleznoti abstraktā ekspresionisma stilā. Krasnere pati cīnījās par kritiķu atzinību, nevis tikai uzskatīja viņu par Poloka sievu. Krasners atstāja mantojumu, lai izveidotu Polloka-Krasnera fonds, kas piešķir dotācijas vizuālajiem māksliniekiem.
Luija Astona bruņinieka kāpņu molberts
Luiss Astons Naits (1873–1948) bija Parīzē dzimis amerikāņu mākslinieks, kas pazīstams ar savām ainavu gleznām. Sākotnēji viņš trenējās pie sava mākslinieka tēva Daniela Ridgveja Naita. Pirmo reizi viņš izstādījās Francijas salonā 1894. gadā un turpināja to darīt visu savu dzīvi, vienlaikus gūstot atzinību arī Amerikā. Viņa glezna Pēcpārklājums 1922. gadā Baltajam namam iegādājās ASV prezidents Vorens Hardings.
Šis fotoattēls no Amerikas mākslas arhīvi, diemžēl, mums nenorāda atrašanās vietu, taču jums ir jādomā, ka ikviens mākslinieks, kurš vēlas brist ūdens ar savām molberta kāpnēm un krāsām bija vai nu ļoti veltīts dabas novērošanai, vai arī diezgan šovmenis.
1897: Sieviešu mākslas klase
Šis foto no 1897. gada no Amerikas mākslas arhīvi rāda sieviešu mākslas nodarbības ar instruktoru Viljamu Meritu Čeisu. Tajā laikmetā vīrieši un sievietes apmeklēja mākslas nodarbības atsevišķi, kur laika dēļ sievietēm paveicās, ka viņas vispār varēja iegūt mākslas izglītību.
Mākslas vasaras sk. Ap 1900
Mākslas studenti Sv. Pāvila tēlotājmākslas skolas vasaras klasēs, Mendotā, Minesotā, tika fotografēti 1900. gadā kopā ar skolotāju Bērtu Harvudu.
Ja neņemam vērā modi, lielas sauļošanās cepures ir ļoti praktiskas gleznošana ārā jo tas pasargā sauli no acīm un pārtrauc sejas apdegumu (tāpat kā augšdaļu ar garām piedurknēm).
"Nelsona kuģis pudelē" - Yinka Shonibar
Dažreiz tas ir mākslas darbu mērogs, kas tam piešķir dramatisku efektu, daudz vairāk nekā objekts. Tāds gabals ir Yinkas Šonibara "Nelsona kuģis pudelē".
Yinka Shonibar "Nelsona kuģis pudelē" ir 2,35 metrus garš kuģis vēl garākas pudeles iekšpusē. Tā ir viceadmirāļa Nelsona flagmaņa HMS kopija 1:29 Uzvara.
"Nelsona kuģis pudelē" 2010. gada 24. maijā parādījās Ceturtajā cokolī Trafalgaras laukumā Londonā. Ceturtais cokols stāvēja tukšs no 1841. gada līdz 1999. gadam, kad pirmais no pašreizējās laikmetīgās mākslas darbu sērijas, kuru Ceturtā Cokola nodošanas ekspluatācijā grupa.
Mākslas darbs pirms filmas "Nelsona kuģis pudelē" bija Antonijs Gormlijs One & Other, kurā cita persona 100 dienas visu stundu stāvēja uz cokola visu diennakti.
Laikā no 2005. līdz 2007. gadam jūs varat redzēt Marka Kvina skulptūru, Alison Lapper grūtniece, un no 2007. gada novembra tas bija Thomas Schutte modelis viesnīcai 2007.
Batikas zīmējumus uz "Nelsona kuģa pudelē" burām mākslinieks uz audekla nospieda ar roku, iedvesmojoties no Āfrikas auduma un tā vēstures. Pudele ir 5x2,8 metrus liela, izgatavota no perspex, nevis stikla, un pudeles atvere ir pietiekami liela, lai uzkāptu iekšā, lai izveidotu kuģi.
Formāts
mlaapaČikāgaJūsu atsauce
Bodijs-Evanss, Mariona. "54 slavenas gleznas, ko veidojuši slaveni mākslinieki." ThoughtCo, marts. 18, 2021. gads, thinkco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829.Bodijs-Evanss, Mariona. (2021. gads, 18. marts). 54 slavenas gleznas, ko veidojuši slaveni mākslinieki. Iegūts no https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829Bodijs-Evanss, Mariona. "54 slavenas gleznas, ko veidojuši slaveni mākslinieki." ThoughtCo. https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829 (skatīts 2021. gada 29. martā).
ThoughtCo izmanto sīkdatnes, lai nodrošinātu jums lielisku lietotāja pieredzi. Izmantojot ThoughtCo, jūs pieņemat mūsu